El debate sobre la hipersexualización en videojuegos suele girar en bucle sobre los mismos argumentos. No se trata de moralina, sino de entender el lenguaje visual de la fantasía.
En el video del canal profundizo en esto, pero en este artículo aporto el contexto histórico y los ejemplos que, por tiempo, no caben en pantalla.
La fantasía idealizada no es un invento del videojuego
Las estatuas griegas representaban cuerpos que ningún humano real tenía. Las pinturas del Renacimiento idealizaban proporciones inexistentes en la calle. Los héroes de la literatura clásica encarnaban virtudes físicas que ningún ser humano podía alcanzar.
El arte siempre ha construido ideales. No para engañar al espectador sobre la realidad, sino para darle algo que va más allá de ella. El videojuego heredó esa tradición, y sería raro que no lo hubiera hecho.
Casos históricos que se olvidan convenientemente
Para entender dónde estamos, conviene recordar de dónde venimos con ejemplos que rompieron moldes (para bien o para mal):
- Lara Croft (1996): Llegó con proporciones que el propio equipo de Core Design reconoció como un error de diseño (un desliz con el ratón al ajustar el modelo) que decidieron mantener porque funcionaba visualmente. Sin manifiestos sobre empoderamiento. Una decisión honesta. Y Lara se convirtió en el personaje femenino más reconocible de la historia del medio.
- Bayonetta: Diseñada por Mari Shimazaki, es un caso que conviene analizar con cuidado. Shimazaki ha explicado que la diseñó como una proyección de poder femenino, no como objeto para la mirada masculina. La protagonista tiene control absoluto de cada situación y usa su cuerpo como herramienta de poder. La estética es hipersexualizada; la dinámica de poder no lo es en absoluto. Esa distinción importa, y rara vez aparece en el debate.
- Mai Shiranui: De Fatal Fury, lleva desde 1992 siendo uno de los personajes más reconocibles de los juegos de lucha. SNK la diseñó sin disculpas y sin pretender que el diseño respondía a otra cosa. Tres décadas después sigue siendo un icono con una base de fans que incluye a muchísimas mujeres.
La doble vara de medir que nadie menciona
Hay una inconsistencia que va más allá de la comparación entre personajes masculinos y femeninos: la geografía del estudio. Los mismos diseños que generan polémica cuando salen de un estudio occidental pasan con mucho menos escrutinio cuando vienen de Japón, bajo la cómoda etiqueta de “cultura diferente”.
Al mismo tiempo, estudios japoneses han recibido presión de publishers occidentales para modificar diseños antes de la distribución en mercados anglosajones. Un estándar diferente aplicado según quién firme el juego. Eso no es coherencia, es conveniencia.
Cuando el cambio no mejora nada
Quiet de Metal Gear Solid V es quizás el caso más interesante porque Hideo Kojima incluyó dentro del juego una justificación narrativa para su diseño. La recepción fue dividida: algunos lo vieron como una forma inteligente de subvertir el debate, otros como una excusa post-hoc.
Lo que sí es cierto es que Quiet se convirtió en uno de los personajes más recordados del juego, incluyendo entre jugadoras que reconocen que, aunque el diseño les incomode, el personaje les parece bien construido. Esa tensión rara vez se analiza con la honestidad que merece.
Lo que los datos dicen
Según la Entertainment Software Association, las mujeres representan aproximadamente el 48% de la población jugadora en Estados Unidos. Es un porcentaje que ha crecido de forma constante durante las mismas décadas en las que los personajes hipersexualizados han seguido existiendo.
Genshin Impact, con un diseño claramente orientado a la fantasía visual en ambos géneros, tiene una base de jugadoras enorme y muy activa. La relación entre diseño de personajes y exclusión de audiencias femeninas es bastante más compleja de lo que el debate habitual sugiere.
El argumento de la normalización
Si la exposición a cuerpos irreales en videojuegos genera daño psicológico, el mismo mecanismo debería aplicarse a los cuerpos masculinos irreales, a las películas de acción, a la publicidad y a las redes sociales.
Sin embargo, ninguno de esos debates tiene la misma intensidad dentro del mundo del videojuego. Esto sugiere que el problema real no es la idealización de cuerpos en sí, sino algo más específico sobre qué tipo de idealización se considera “aceptable” por los sectores que lideran la conversación.
La pregunta que nadie hace
¿Qué opinan las mujeres que trabajan diseñando estos personajes?
Hay diseñadoras que han defendido abiertamente sus propios diseños hipersexualizados. Hay artistas femeninas que trabajan en este tipo de proyectos con plena conciencia de lo que hacen y por qué. Sus voces rara vez aparecen en el debate, y cuando aparecen, suelen ser descalificadas por quienes las consideran “parte del problema”. Eso debería hacer pensar a cualquiera que se considere defensor de las voces femeninas en la industria.
Lo que sí merece crítica real
Para ser justos, no todo es válido. Pero hay que saber dónde poner la lupa:
- Válido: Un personaje femenino hipersexualizado dentro de un universo con sustancia narrativa y jugable coherente con ese lenguaje.
- Criticable: Un personaje que existe únicamente como objeto decorativo sin ninguna función en el juego. Y no porque el diseño sea provocador, sino porque el juego está vacío.
La crítica válida no es “este personaje está muy bueno y eso está mal”. Es “este personaje no tiene ninguna función más allá de existir como objeto visual”. La diferencia entre ambas críticas es enorme, y la segunda requiere analizar el juego en su conjunto, no simplemente medir al personaje.
Más allá de la estética, el verdadero debate que deberíamos estar teniendo como industria es sobre la madurez de nuestros diseños. No se trata de tapar escotes por miedo, ni de lucirlos por rebeldía; se trata de que cada píxel, cada curva y cada decisión visual tengan un propósito que sustente la experiencia de juego.
Al final, la libertad creativa también consiste en aceptar que la fantasía es un lenguaje válido, y que intentar domesticarla para que encaje con el mundo real es, a menudo, la forma más rápida de quitarle el alma al videojuego.
¿Qué opinas tú? ¿Crees que estamos perdiendo esa capacidad de separar la ficción de la realidad, o que simplemente estamos ante un cambio de ciclo necesario? Te espero en la sección de comentarios para debatir sobre ello.
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Desarrollador de videojuegos independiente, creador de Leedeo Studio y colaborador en la traducción oficial de Godot Engine al español. Comparto lo que aprendo sobre gamedev, herramientas y la industria indie.